miércoles, 17 de septiembre de 2014

miércoles, 10 de septiembre de 2014

Estudiantes del curso Mas alla de lo bello. Universidad de Antioquia 2014 02

Jessica Andrea Marín.  LAP               Adison
Laura Martínez Tobón. MAP             Burke
Cristian Camilo Martínez   MAP       Longino
Laura Muñoz  MAD                          Longino
Alejandra Gómez  MAD                   Burke
Melisa ALvarez        LAP                 Addison
Eliana Ospina      LAP                       Addison
Hannys Zapata     LAP                      Addison
César Cardona     LAP                      Addison
Mónica Toro        MAP                     Longino
Jonathan Arteaga   MAP                    Burke
Arley Usma        LAP                       Longino
Mateo Muñoz        LAR                   Burke
Weimar Toro        M                        Longino
Andrés Echeverri   LAP                   Addicos

viernes, 19 de abril de 2013

PROGRAMA



Carlos Mario Jaramillo Ramírez
Módulo propuesto para la maestría.
Semestre 2013 - 01

Objetico del curso

Describir el sentido de las artes en su dimensión creativa a partir de cuatro conceptos: Fusión, interdisciplinariedad, transdisciplinariedad y multidisciplinariedad, a través de un recorrido histórico entre finales del siglo XIX y principios del Siglo XX. En ello el estudiante podrá abordar diversas reflexiones sobre la relación investigación creación que es necesaria para comprender problemas contemporáneos del arte.

Objetivos específicos

·      Diferenciar cuatro momentos importantes en la idea de arte efectuados en los últimos doscientos años.
·      Identificar conceptos relacionados con la idea de creación artística desde diversas perspectivas: Estética, social, antropológica y política.
·      Dimensionar el papel formador del arte en la consolidación de los proyectos educativos y formativos de la ciudadanía.
·      Valorar el sentido político del arte desde la función del artista en la ciudad y la responsabilidad en la construcción de imagines para pensar lo real.

Justificación

En un momento de gran avance de las ciencias en los procesos de formación media y universitaria, en donde se hace un gran esfuerzo por observar de manera práctica el uso de la tecnología, haciendo de las finalidades de la formación un proyecto racional, es preciso abrir un espacio de reflexión en el cual se puedan revisar las ideas de subjetivación, experiencia, construcción de la individualidad y proyecto de vida, que le dan sentido a las formas de apropiación social del conocimiento. El arte y su devenir en la idea de creación e investigación retoma elementos que hacen emerger nuevas relaciones con la técnica, concentrando en ello incluso las formas de comprensión de una imagen del mundo que entrega el universo de los medios contemporáneos de comunicación y transmisión.
Este módulo se concentra en el esfuerzo de despejar fronteras de comprensión sobre imágenes del arte que tradicionalmente han sido observadas de manera histórica o en una forma historiográfica definida, para hacer que el estudiante pueda observar los matices desde los cuales se puede ofrecer hoy el campo de la investigación académica del oficio del artista. Todas las artes incluso en el enfrentamiento de una disolución conceptual hacen explícita la idea de comprensión, y en ella hoy es necesario definir nuevos itinerarios de la idea de creación para la interpretación en la cual se amplían los valores delo artista en la ciudad.

Contenido Resumido

Unidad Uno: La música y la fusión de las artes.
Unidad Dos:   La reacción del positivismo y la interdisciplinariedad del arte
Unidad Tres: Modernidad y Modernización, trasnsdisciplinariedad y arte
Unidad Cuatro: La frontera multidisciplinar y su dimensión política 


Unidad Uno     La música y la fusión de las artes.

Descripción

El siglo XIX se esforzó de una manera muy particular por hacer converger las artes. En dicho proceso tuvo como meta cambiar la idea de arte, esta había tenido en el siglo XVII y XVIII el ideal de realizar lo bello en el dominio magistral de la técnica. De esta manera las escuelas de bellas artes fundan en el viejo mundo un campo disciplinar de diferenciación entre las artes a partir de sus soportes; aspecto que obliteró la función social del artista y por lo tanto su desempeño y reconocimiento colectivo. No obstante el esfuerzo del siglo XIX, en el ceno del movimiento romántico se propuso recuperar la imagen del mundo que el mito contiene y ordeno las coordenadas disciplinares (técnicas del arte) para hacer converger una nueva relación entre idea y realización objetual, en ella el arte se propone fundar una religión que transforme el espíritu a través de la sensibilidad.
El desarrollo del discurso estético, que había heredado de la filosofía su forma de reflexionar sobre el gusto y el carácter subjetivo de la experiencia, asumió el arte como vía para la realización de la individualidad. En este ejercicio se tornó necesario el estudio minucioso de los objetos reconocidos como arte en diversas comunidades y en diversos momentos históricos, de tal manera que fue necesaria una amplia reflexión entre literatura, música y artes de la forma, posteriormente llamadas artes plásticas. En ellas se podría encontrar el espíritu que anima, desde lo sensible, la transformación de una sociedad y por lo tanto su conciencia del tiempo y de su momento histórico. El arte concentró su esfuerzo en indagar la experiencia del espectador, de aquel al cual está dirigida la imagen de su realización como obra, para ello no bastaron entonces los argumentos formales de la técnica, fue necesario pensar en ellas como medios para la construcción de una imagen renovada del mundo. De esta manera se generan inicialmente especiales relaciones entre literatura e imagen, entre música y relato, entre imagen y su movimiento en la puesta en escena de la ópera.
Los cuatro momentos que vamos a recorrer en esta primera unidad atenderán a este proceso. Es de interés especial el foco que sobre la música construye el siglo XIX, pues cercano a la poesía en la consolidación del espacio subjetivo de lo sensible, la música se levanta en el margen de la imaginación sin fundamentos construidos a priori.  La experiencia que genera en el espectador funda el territorio de lo posible, tal como aspiró fundar en palabras la imagen del poema. Esta inicial relación trae como consecuencia una articulación de las artes teniendo como finalidad concretar lo subjetivo de la música. En el romanticismo todas las artes aspiran a consolidar su función poética como si la música fuese su maestra. La fusión de las artes que por tanto nos tomará algunas clases para analizar este proceso, nos permitirá abordar el sentido de la obra crítica de Hanslik, la relaciones entre música y texto que se tejen posteriormente entre experiencias sonoras cargadas de relato y la configuración final del mismo en la obra de arte total, que no es otra cosa que  el campo fundante del arte como religión.
Las consecuencias de este proceso, aparecen al final de la primer unidad cuando de manera crítica es asumida la pregunta de Niestche sobre, ¿sabemos acaso que orden social construimos cuando el arte reemplaza a la religión? Es posible reemplazar a Dios, suponiendo un arte que aun no es capaz de alejar de si su sentido cristiano de la vida?

Contenidos unidad uno

Música y público.
La autonomía del arte y su relación con lo social
Música programática.
Expansión de las finalidades del arte
Wagner: Arte y revolución.
El espíritu del arte en la comprensión de la obra de arte total.
La integración de las técnicas de lo bello en la construcción de lo sublime
Nietzsche:
La crisis de la razón romántica. Desmantelamiento de la idea de orden   universal en la imagen del arte.


Bibliografía

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FUBINI, ENRICO, Estética musical: desde la antiguedad hasta el siglo XX, Madrid, Alianza, 1997.

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 De la "obra de arte total" a la "fusión interior": La música en el modelo de correspondencias artísticas de Camille Mauclair Autores: Sonsoles Hernández Barbosa Source: Acta Musicologica, Vol. 81, Fasc. 2 (2009), pp. 275-299Published by: International Musicological SocietyStable URL: http://www.jstor.org/stable/23075162.

GADAMER, HANS GEORGE, Historia y hermenéutica, Barcelona, Paidós, 1997.

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DUQUE, FéLIX., El mundo por de dentro, ontotecnología de la vida cotidiana Vol 9,  Primera edición ed., Barcelona, Ediciones del Serbal, 1995.




Unidad Dos   La reacción del positivismo y la interdisciplinariedad del arte
Descripción

Un segundo momento en el desarrollo de este curso se refiere a la idea de interdisciplinariedad. Se trata por tanto de una vertiente heredada del romanticismos anterior, sólo que en ella se asume la crítica que supone desmantelar la idea del arte como religión. Un nuevo optimismo recorre el trabajo de los artistas: La ciudad, su devenir industrial, su confianza en el progreso y su fe en la utopía. El arte se sitúa de nuevo en la frontera que fusiona de nuevo el discurso estético de las formas, las imágenes y los sonidos en torno a un nuevo eje de concentración: El movimiento, pero en ello no basta una simple fusión, es necesario conjugar los diversos momentos como territorio expandidos del sentido de la técnica. Se podrá por tanto pensar el sonido como forma matemática, la imagen como territorio de la acción y el texto poético como desarrollo racional del pensamiento que interroga al lenguaje.
No referimos ya en este segundo momento de una fusión sino de una clara y disipada fuerza de interacción disciplinar. Es el momento en el cual un gestor industrial de la cultura como Diagilev, puede juntar el esfuerzo de Kandinsky, Picasso y Nijinsky en la interpretación de la ópera. En ella las formas son interrogadas en su dimensión gramatical. Ahora bien, este esfuerzo no se logra de manera unificada en las artes, el devenir de la vanguardia es diferente al de la enseñanza del arte, este último hace cada vez mas esfuerzos en lograr dominios técnicos que posibiliten su integración en el lenguaje de las formas. La realización de la obra de arte se interroga con un sentido social diferente al del romanticismo anterior, no obstante tenga sobre él abundantes nostalgias en su interpretación de la realidad. 
La interdisciplinariedad de las artes se consolida en este segundo momento porque, tanto los aportes de la ciencia, el desarrollo del pensamiento positivo de finales del siglo XIX  y los aportes a las reacciones de la percepción visual, quinésica y auditiva entregan nuevos datos sobre las formas de la experiencia sensible. Se conjugan por tanto estos elementos en una arte que tiene plena conciencia de su función formadora del espíritu, sólo que en ella atraviesa la idea de una transformación simultánea del cuerpo. En ello entonces las técnicas se convierten en un plural abierto que atraviesa las fronteras del diseño. (del color, de las formas habitacionales, de las formas industriales, del vestuario, del sonido y del movimiento). Quizás en ellos se puedan observar los elementos de una configuración antropológica de la imagen del arte que matiza de manera especial el discurso estético, acercándolo a su comprensión cultural.
En esta unidad será necesario detenerse en las primeras formas de consolidación de un sentido del arte como lenguaje, en ello es interesante el formalismo que propone Hanslik en el lenguaje crítico, pues hace posible enlazar los aportes disciplinares de nuevos campos de indagación histórica en las artes como la musicología y de manera especial el matiz antropológico que introduce la etnomusicología. Es valiosa esta ruta porque hace posible identificar formas de creación con formas de investigación. Es de este acercamiento a la noción de interdisciplinariedad en donde se hacen fuertes los aportes de un territorio conceptual que pretende ver el arte en el enfoque de una ciencia social, en estos primeros acercamiento son importantes los aportes de la Historia y la antropología.


Contenidos unidad dos



Formalismo en Hanslik.
Estudio racional de las formas del arte y su posible integración escénica.
Nacimiento de la musicología y del estudio psicofisiológico del arte.
            Primeros desarrollos de la teoría de la Gestalt
El arte como respuesta  a la racionalidad industrial del siglo XX. 
Investigaciones acústicas, visuales y quinésicas de orden cognitivo.
Formalismo del siglo XX y la mirada al arte como lenguaje.
Gramática del arte, estudios del color  y el sonido y el movimiento como ejes fundantes de la forma.
Reinterpretación del oficio del artesano en la imagen del diseñador



Bibliografía


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BOZAL, VALERIANO. (ED), JAIME BRIHUEGA, ESTRELLA DE DIEGO, JESúS GARCíA GABALDóN, VICENTE JARQUE, FRANCISCA PéREZ CARREñO, CARLOS PIERA, JUAN ANTONIO RAMíREZ, RICARDO SáNCHEZ ORTIZ DE URBINA, GUILLERMO SOLANA, CARLOS THIEBAUT, GERARD VILAR Y J. F. YVARS Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas Volúmen II Vol 81,  Primera Edición ed., Editorial Antonio Machado Libros, 1996.
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Unidad Tres  Modernidad y Modernización, trasnsdisciplinariedad y arte
Descripción


Si ha sido posible observar el devenir entre fusión, e interdisciplinariedad de las artes, es porque se han presentado de manera especial las relaciones entre técnica, sentido y lenguaje. Este proceso que describe el camino entre el arte del siglo XIX y el Siglo XX, plantea una tercer momento, que se plantea para seleccionar los contenidos de este curso, pues las fuentes de las cuales retoma el discurso estético se amplían a los aportes de ciencias sociales como la antropología y la sociología. No obstante se cruzan también las dimensiones teóricas que puntualizan el devenir de los estudios literarios y lingüísticos, los semióticos y los culturales. El panorama de conceptualización del arte no es exclusivamente heredado entonces de las historias del arte del siglo XIX, que enfatizaron la realidad de la creación a partir de la interpretación de los nodos estéticos del arte griego. Son posibles otras formas históricas que devienen en el ceno de la obra de arte y de la cual no es posible una historia que la haga comprensible porque posea una pasado que la sustente.

El ejercicio de comprender el arte en un momento de desarrollo industrial y económico del capitalismo del siglo XX, obliga a tejer nuevas relaciones con la experiencia del arte. No es el pasado el que justifica la aparición de la obra o del artista. De la misma manera la academia no valida el reconocimiento social que otrora otorgara el dominio de la técnica. Los artistas aspiran a la unión entre lo culto y lo popular, las artes de deshacen de sus pasado clásicos y buscan fuentes de su realización mítica y ancestral. La obra de arte se enfrenta a las condiciones de su reproductibilidad y por lo tanto a la revisión bendecida del original. Las dimensiones acústicas del auditorio compiten con las condiciones del ruido, el color se confronta con las escalas teóricas y disuelve en sentidos prácticos la presencia de la forma. El contorno de la sonoridad se desdibuja en la reproducción fonográfica, cinematográfica, radial y televisiva. El texto se enfrenta a su presencia en la inmediatez de la prensa, la aparición en facsímiles y la expresión investigativa del ensayo. Los artistas aspiran a ser filósofos de lo sensible en donde su palabra se configura en experiencias que atraen el gesto, y la acción en lo efímero.

Lo mas interesante de una imagen de interdisciplinariedad en este tercer momento se amplia cuando la idea de arte sumerge su interrogantes sobre la validez social e histórica de la obra. Esto comprende una relación amplificada a la creación que contiene el intérprete, el ejecutante, el actor en su presencia espacial, es decir, que el momento mas fuerte de estudiar sobre el proceso de trasnsdisciplinariedad de las artes se configura cuando el arte mismo interroga al arte por fuera de cualquier discurso, excluyendo incluso al estético, pero no por su desaparición sino por la contención de sus múltiples sentidos. Esto nos acerca a una arte de inicios del siglo XX, que en las vanguardias y posvanguardias de los años treinta al cincuenta concentra el esfuerzo del arte en los artistas, en las posibilidades efímeras de su presencia social y en el desdibujamiento de la perene eternidad de la obra de arte como imagen total del mundo. Para lograr este acercamiento haremos un recorrido por la tercera unidad en algunos textos y experiencias del arte de vanguardia y posvanguardias revisando el concepto de creación a partir del momento mismo de la interpretación, es decir de su presencia como residuo de la obra de arte total.


Contenidos Unidad Tres


Fenómenos del arte en el contexto moderno de las artes
            Vanguardia Manifiesto y creación.
Teoría del arte, conceptos e ideas entre creación y transformación.
Arte y sociedad: Reificación, las artes como expresión
El arte como fusión de la experiencia.
Arte y Nacionalismo.
            Educación comunicación y transmisión
            Antropocentrismo y arte.


Bibliografía

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Unidad Cuatro la frontera multidisciplinar y su dimensión política
Descripción


El devenir de las artes después de la segunda guerra mundial, trajo como consecuencias el cambio de ejes de centralidad cultural en el mundo del arte. La repartición de los botines de guerra, que en su mayoría quedaron ocultos para el mundo durante los años cincuenta y sesenta despojaron a los grandes museos europeos de las tradicionales y grandiosas colecciones. De la misma manera las bibliotecas que habían configurado en el centro y sur de Europa valiosas fuentes de referencia sobre la imagen griega del arte y por lo tanto de la fuerza de su validez universal, debieron enfrentar un resquebrajamiento que ahora otros países se aprestaron a realizar. No sin antes asumir sobre dichas lecturas una apropiación política del proyecto cultural. 

El arte que ya había entrado en el margen de la imagen movimiento del cine y la televisión se hizo proyecto educativo para el resto de los países occidentales. La fuerza y sentido estético de la obra de arte se matizó por su condición política en torno al surgimiento de movimientos universales de crítica e historia del arte. Los eventos del arte se configuran alrededor de las primera formas de festival internacional, que se ofrecen con gran fuerza y despliegue nacional en bienales, encuentros de crítica, publicaciones de circulación internacional y textos de renovado interés estético. Las formas de participación social del artista se dimensionan con nuevos intereses culturales, educativos y formativos, las ciudades asumen su condición per formativa de la imaginación y reconocen en los diversos soportes del arte medios para su intervención y amplificación del sentido.

Los artistas comulgan con las fuerzas productivas de la sociedad que hacen posible validar su función social, y se presenta una realización de la obra en los medios de difusión y reproducción que ninguna época anterior había siguiera sospechado. Los artistas son divulgados en medios de comunicación como revistas de variedades, publicidad, e información cotidiana, la presencia social de los interpretes musicales se hace presente en las radios locales, en las imágenes del cine latinoamericano de mediados de los años cincuenta y sesenta y muchos de ellos se convierten en asesores culturales importantes para el desarrollo de las políticas educativas, ejemplo de ello son los casos de Brasil, México y Argentina. 

La frontera de indagación que abriremos sobre el cuarto capítulo, se hace de manera especial sobre la noción de multidisciplinariedad, porque al artista le compete en el campo de la interpretación, la ejecución y la realización de la idea de arte una función social y política de la cual no podrá deshacerse, pues en la mayor parte de los casos son responsables directos de la fundación de escuelas de arte, que apoyan el desarrollo cultural de las ciudades, y en ello están comprometidas sus funciones como planificadores, gestores, educadores, curadores y críticos que tendrán en la segunda mitad del siglo XX una importante función en la consolidación de la idea de creación. El arte se dimensiona sentidos multidisciplinares que decontruyen la idea de arte clásica, romántica, vanguardista y moderna en múltiples sentidos sociales que relacionen el poder de la imagen en la construcción de la imagen de lo sensible, del poder  y de la realización de la individualidad que enfrente de manera especial el arte después de los años sesenta.


Contenidos Unidad Cuatro


Práctica artística
Fronteras y umbrales entre Industria cultural, gestión cultural y políticas culturales para la difusión de las artes.
Políticas, patrocinios, festivales y becas en el mundo contemporáneo
Devenir del museo, el escenario, y el auditorio en las artes contemporáneas
            La noción de archivo, memoria y cotidianidad.
            Fronteras y límites de la idea de arte en la contemporaneidad. 



Bibliografías

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CHAPARRO AMAYA, ADOLFO, Los Límites de la estética de la representación,  Primera Edición ed., Bogotá, Chaparro Amaya, Adolfo, 2006.

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PASQUALINI, MAURO.VALERIA, MANZANO. Raymond Williams, aportes para una teoría Marxista de la cultura. Sin periodicidad. Vol 4. Electrónica ed. Buenos Aires: Razón y Revolución. info@razonyrevolucion.org; 1998:23.

MYERS, HELEN P, "Etnomusicología", en CRUCES Francisco. (Ed.), Las culturas musicales: Lecturas de etnomusicología, Madrid, Editorial Trotta, 2001.

COUSSET, IVES. HABER, STéPHANE (DIR). Habermas y Foucault, trayectorias cruzadas, confrontaciones críticas.,  Primera edición ed., Buenos Aires, Nueva Visión, 2007.



Forma de Evaluación

Entrega de un ensayo acerca de la idea de creación en el campo en el cual el estudiante propone abordar su trabajo de investigación. Este se dividirá en dos entregas, así:

·      Un primer avance en la mitad del semestre en el cual el estudiante exponga las inquietudes de su trabajo, las preguntas o pregunta que se hace sobre el proyecto en su dimensión investigativa y los conceptos o campos disciplinares que desea abordar en su reflexión, teniendo en cuenta que esta reflexión le podrá aportar a su proyecto de realización en la parte inicial de conceptualización.


·      Una segunda entrega en la cual el estudiante desarrolle alguno, o algunos de los tópicos propuestos en la presentación inicial. Debe tenerse en cuenta la formulación de la pregunta y el acercamiento que hace en su indagación.


Medellín Marzo 2013


sábado, 23 de marzo de 2013

La música y la fusión de las artes

Retomado del texto de Enrico Fubini
La estética musical, desde la antiguedad al siglo XX
Editorial Alianza
Madrid 1997
Capítulo XI. Pág 297 - 324



Henrich Heine
http://www.youtube.com/watch?v=s69kNccy7Is
http://www.youtube.com/watch?v=VOYfj9rVWaU
http://www.youtube.com/watch?v=09fHFNYr_QE
http://www.youtube.com/watch?v=zuY_fFeSzkw



MAESTRÍA EN ARTES

ALVAREZ RUIZ DORIS MARCELA
ARCOS MORA JIMMY FERNANDO
BEDOYA SÁNCHEZ ASTRID ELENA
CASAS DIEGO IGNACIO
CIRO GÓMEZ BERNARDO ALONSO
DIAZ ROLDÁN RODRIGO
DUQUE OCAMPO JOSÉ CAMILO
GARCÍA BEDOYA JUAN ANDRÉS
GÓMEZ PÈRES DIEGO LEÓN
MANCO GÓMEZ LUIS ALVEIRO
MONTOYA PALACIO NELSON ENRIQUE
MORA ANGEL FERNANDO
MUÑOZ RUIZ JOHN MARIO
OSORIO OSPINA JORGE EDUARDO
RAMOS JOHN FREDY
RENDÓN TANGARIFE GONZALO ALBERTO
SÁNCHEZ GIRALDO CARLOS MARIO
URANGO URRIETA JORGE LUIS
VILLA GARCÍA JOHN FREDY
ZULUAGA IDARRAGA CLAUDIA ELENA

miércoles, 7 de mayo de 2008

El Principio de Autonomía


En la época de Schiller, se desarrolla la teoría estética como disciplina filosófica, como ciencia, pero como ciencia que se independiza del saber científico, y ser arroga un saber estético propio, independiente del saber establecido. El carácter autónomo del hombre, emancipado de cualquier otra autoridad que no sea la de su propia razón (una autonomía que constituya el principio fundametal de la teoría sociopolítica de la ilustración), lleva consigo el que la sensibilidad humana adquiera o recupere un vaslor propio, iindependiente en cierta medida de la razón. La estética en cuanto, lógica de la sensibilidad establecerá como una de sus prerrogativas fundamentales ese carácter epistemológico propio, una cuestión de la referencia o la relación del arte con la verdad, que sigue siendo el punto de referencia de la reflexiónb estética actual.)piensese por ejemplo en la pregunta de gadamer, pregunta que es paradigmática para la estética filosófica de la modernidad _es posible dejar el concepto de verdad sólo en manos del conocimiento conceptual científico_ pregunta: en Verdad y Método.

En el momento de su orígen como discplina filosófica, la teoría estética adquiere el carácter de una teoría del conocimiento vulgar (conocimiento de lo sensible), y queda subordinada aún, de algún modo al conocimiento científico filosófico (tal y como puede deducirse de la determinación conjunta del carácter autónomo del arte y de la ciencia, establecido por Schiller en las cartas (XI -3), el saber científico era considerado aún de manera global y no se había identificado aún con el método epistemológico de la ciencia natural (lo que ocurre fundamentalmente durante la segunda mitad del siglo XIX) ni con el carácter instrumental de la razón) En su estética 1750 -58 Baumgarten define la ciencia estética como un analogon rationis (de la razón cartesiana) basándose en el concepto de leibniz de los conocimientos sensibles en cuanto análogos de la razón. El conocimiento estético tiene un carácter distinto del racional, ya que está fundamentado sobre el carácter individual de la sensibilidad humana; la estética es una lógica de lo individual opuesta en un primer momento a la lógica universal de la razón discursiva o científica. Por otra parte, en la discusión sobre la razón ilustrada sobre el gusto, la estética tiene también, para baumgarten un carácter comunicativo social, cuyo órgano básico es el gusto, considerado como instrumento de formación del individuo (en referencia a un concepto de verdad subjetiva, fundamentado en la sensibilidad del hombre). Con todo la gnoseología superior científica, a la razón. El dilema de la teoría estética consiste ya desde un principio en determinar si realiza simplemente la funciòn de una propedéutica para el conocimiento científico, o se trata mas bien de otro tipo de conocimiento paralelo a la razón discursiva, pero de igual categoría: Baumgarten no acaba de decudirse por una u otra determinación y su fundamentación de la teoría estética en cuanto teoría autónoma a pesar de dar inicio a aquellas cuestiones, a las que habría de responder la estética superior, queda coartada aún por esa subordinación más o menos manifiesta al conocimiento científico.

Kallias.

Cartas sobre la educaciòn estética del hombre.

reflexiòn estética y autonomia del arte

Reflexiòn estética y modernidad.

La teoría estética, concebida como reflexiòn sobre el arte o comno teoría del arte, se inicia en el hámbito de la llamda ilustraciòn tardía, y del movimiento preromántico Alemán, durante la segunda mitad del siglo XVII.

La reflexiòn sobre la naturaleza y la función del arte tiene lugar en el seno de una sociedad burguesa caracterizada por el desarrollo de un concepto de razón cada vez mas cercano al carácter discursivo de la racionalidad científica. La teoría del arte iintentará desde sus cominezos determinar, por una parte, su función, oponiéndose a ese acrácter discursivo, y se confrontará, por otra, con la antiguedad clásica, modelo histórico en contraposición al cual buscaría su identidad.

Dos temas ocupan la teoría estética en la que se enmarca el pensamiento estético de Schiller: en primer lugar la disciusión entre las escuelas filosóficas sensualistas (empiristas) y la racionalista, sobre el concepto de gusto: los juicios estéticos son considerados, o bien sólo en referecnia a la sensibilidad (unua teoría filosófica y psicológica de la belleza) o sólo en referencia al entendimiento (en cuanto a la perfección formal de la obra de arte). La otra gran disputa estética de la ilustraci
on se centra en la llamada !querele des anciens et des modernes! sobre la validez canóniga de los modelos (artístico) de la antiguedad, y por lo tanto, sobre el valor del arte moderno en referencia al arte clásico. La reflexzión estética haría suya la tarea de superar la consideración de la antiguedad clásica como un simple modelo digno de ser imitado. El arte clásico adquiere en ella una perspectiva histórica, que demsiente su carácter puramente modélico, y el arte moderno destacará entonces la supremacia del principio de producción sobre el mimético. Al preguntarse por la génesis y el sentido del arte en el ámbito de la razón ilustrada, la reflexión estética defenderá el carácter de modernidad del arte, determinando a la vez esa misma conciencia de modernidad. A partir de aquí, la reflexión estética estará unida consecuentemente a la idea de modernidad.

La conciencia de la modernidad es ante todo una conciencia histórica. En la querelle, el arte moderno se definirá, más allá de todo cánon meramente imitativo, como un arte cuya producción y recpeción están impregnadas por la historia. Esta historicidad implicará de hecho la relativización de los modelos clásicos, los convierte, más que en un modelo a imitar, en una realidad histórica a reproducir. - en correspondencia con el cambio de paradigma en la determinación de la esencia de la verdad: de un puro reflejo a un proceso de producción de lo existente (1989).- Se pasará entonces, de un modelo de arte como pura representación, a una consideración del arte como producción, producción de la naturaleza o de la historia. La imitación de esa acción productiva será, en todo caso, la única actividad mimética de la imaginación productiva, o del artista en cuanto genio. De igual modo, el carácter de completud de lo antiguo, de lo clásico, dejará paso a una consideración de la modernidad como proceso fragmentario, quebrado o quebradizo, y el estilo unitario determinado por los modelos clásicos dará lugar a la mmoderna multiplicidad de estilos, aunque este sea de hecho, el paso inmediatamente posterior a la estética clásica de Schiller y Goethe.